Das dritte Bild, das in diesem Abschnitt zu sehen ist die „Verzweiflung“ von 1892. Es ist das erste Bild eines Zyklus, der auch „Der Schrei“ angehört. Munch selbst beschreibt es sogar als „erster Schrei“.

Die Gemälde teilen diese Aspekte: den roten Himmel, die geschwungenen Linien, die Diagonalen des Geländers.

Munch hält in „Verzweiflung“ ein Erlebnis fest, das wir heute wohl als Panikattacke bezeichnen würden. Er notiert dazu in seinem Notizbuch: „Ich ging mit zwei Freunden die Straße entlang. Die Sonne ging unter – der Himmel wurde blutrot. Ich fühlte eine Welle der Traurigkeit – ich hielt an, tödlich erschöpft – Über dem schwarzblauen Fjord und der Stadt loderten blutige, flammende Zungen. Meine Freunde gingen weiter – ich blieb zurück – bebend vor Angst – Ich fühlte den großen Schrei in der Natur.“

Von „Der Schrei“ ist eine Lithografie von 1895 zu sehen, der erste Druck den Munch von dem Motiv anfertigte, nachdem er 1894 die Kunst des Druckens erlernt hatte. Er ergänzte ihn durch Aquarellfarbe, eine Kombination, die er häufig anwendete.

Die Lithografie existiert in drei Variationen, das Gemälde in vier (zwei entstanden 1893, eine 1895 und eine 1910). Im Vergleich zu „Verzweiflung“ ist die Figur nicht mehr schemenhaft von der Seite zu sehen, sondern sie wendet ihr Gesicht dem Betrachter zu und steht im Mittelpunkt des Werks. Der Mann mit Hut wird zu einer geschlechtslosen Figur, die Person zu einer Allegorie der Furcht und des Entsetzens. Durch die Reduktion auf schwarze und einige wenige farbige Linien kommt die Botschaft noch stärker zum Ausdruck.

Interessant ist die deutsche Inschrift: „Geschrei. Ich fühlte das grosze Geschrei durch die Natur.“ Dies wurde von vielen so interpretiert, dass nicht die Person auf dem Bild schreit, sondern einen Schrei hört, auf den sie mit dem dargestellten, entsetzten Gesichtsausdruck reagiert.

Sowohl „Verzweiflung“ als auch „Der Schrei“ illustrieren sehr gut die Tatsache, dass Munch in der Darstellung der äußeren Natur ein Mittel zum Ausdruck des Innenlebens sah. „Ich male nicht, was ich sehe, sondern was ich gesehen habe“. Das bezieht sich nicht nur auf die Tatsache, dass er das Motiv selbst aus der Erinnerung auf die Leinwand brachte, sondern auch darauf, dass er die Assoziationen ausdrücken wollte, die eine Szene bei ihm ausgelöst hatte.

Das Werk „Vampir“ (1895) gehört ebenfalls zu seinem „Lebensfries“-Projekt. Ursprünglich hieß es „Liebe und Schmerz“. Munchs Freund, der polnische Schriftsteller Stanisław Przybyszewski, interpretierte es allerdings als Vampirin, die das Leben aus einem Mann saugt, was Munch übernahm und den Titel änderte.

Die roten Haare, die über das Gesicht des Mannes fließen, könnten auch tatsächlich diesen Eindruck erwecken, sie sehen aus wie Blutspuren. Andererseits hat das Motiv etwas sehr Intimes, Vertrautes, Tröstendes, Liebevolles. Hier haben wir es wieder, das Wechselspiel, das so kennzeichnend für Munchs Bilder ist.

Die Haare seiner Frauenfiguren hatten für Munch übrigens, wie man auf den Porträts im Raum, der mit „Wellen der Liebe“ betitelt ist, sehen kann, starken symbolischen Charakter. Sie standen für das Weibliche an sich und, auf die Beziehung bezogen, ebenso für Bindung wie für Trennung.

Der „Vampir“ beschäftigte ihn über 25 Jahre hinweg, in denen er 13 Versionen schuf. Die letzten, die in den Jahren 1916 bis 1918 entstanden, sind deutlich heller und freundlicher, wie seine Bilder insgesamt ab Beginn des 20. Jahrhunderts. Das mag etwas damit zu tun gehabt haben, dass er von 1916 bis zu seinem Tod in Ekely lebte und arbeitete, einem Außenbezirk von Oslo. Dort erwarb er eine ehemalige Gärtnerei mit einer Fläche von 40.000 qm. Er ließ sich mehrere Freiluftateliers einrichten. Seine Motive: Arbeiter, Blumen, Bäume, Gemüse – und eben deutlich hellere und freundlichere Variationen früherer Werke.

Dazu zählt auch „Der Kuss“. Im Musée d’Orsay ist eine Version von 1897 zu sehen, deren Farbgestaltung sehr dem „Vampir“ ähnelt. Gar noch enger sind die Liebenden hier verschmolzen, ihre Gesichter fließen ineinander. Die Haare der Frau sind interessanterweise, im Gegensatz zu denen des Mannes, so gut wie gar nicht zu sehen.

Begleitet wird es von einer Niederschrift Munchs in seinem Notizbuch aus der Zeit von 1830 bis 1835, also wesentlich später: „Der Kuss. Zwei brennende Lippen auf meinen. Himmel und Erde verschwanden. Und zwei dunkle Augen tauchten in die meinen.“

Ergänzt wird das Gemälde durch sechs Holzschnitte und Radierungen, teilweise koloriert, aus den Jahren 1895 bis 1902. Es ist die umfassendste Illustration, die die Ausstellung zeigt, für die Tatsache, dass er ein Motiv immer und immer wieder mit verschiedenen Techniken variierte.

Der letzte Abschnitt der Ausstellung „Inszenierung und Innenschau“ zeigt schließlich Bilder aus seiner letzten Schaffensperiode in Ekely. Dazu gehört „Selbstporträt“ (1940 bis 1943), in fröhlichen Farben, die im krassen Gegensatz zum Motiv, ihm selbst als alten Mann, fast schon Gerippe, stehen (mehr zu diesem Bild erfährst du hier).

Und…Überraschung…was macht denn ein Gemälde von van Gogh in einer Munch-Ausstellung?

Der erste Eindruck täuscht: obwohl es auch noch denselben Titel trägt, wie eines der bekanntesten Bilder des Niederländers, nämlich „Sternennacht“, stammt es tatsächlich von Munch selbst! Er malte es in den Jahren 1922 bis 1924. Inspiriert wurde er wohl schon 1885, als er ein Stipendium bekam, das es ihm ermöglichte, nach Paris zu gehen. Dort entdeckte er die Impressionisten und übernahm ihren zügigen Arbeitsstil und freien Farbauftrag.

Interessanterweise malte er bereits 1893 und 1901 Bilder mit diesem Titel, die aber van Goghs Gemälden viel weniger gleichen als dieses hier. Es vereint sogar Elemente beider Bilder von van Gogh, „Sternennacht“ und „Sternennacht über der Rhone“. Von ersterem übernimmt es die Silhouette des Baums und die Personen im Vordergrund – die bei Munch allerdings zu seinem dreifachen eigenen Schatten werden und die Romantik der Szene trüben, trotz rosa Himmel im Hintergrund und trotz der insgesamt eher hellen Farbgebung.

Im Vergleich mit letzterem sind die Ähnlichkeiten mit dem Sternenhimmel unverkennbar.