Ein Tipp zu Beginn: Lade dir die FLV App runter und nimm Kopfhörer mit, es gibt nämlich einen schönen Podcast, der durch die Ausstellung führt.

Zunächst einmal fand ich es interessant, Wesselmanns Entwicklung als Künstler nachzuvollziehen. Die Ausstellung ist chronologisch aufgebaut, so dass sich gut
nachvollziehen lässt, wie er Motive – vor allem zwischen den 60er und 70er Jahren – wieder aufgreift und weiterentwickelt. Die „Still Lifes“ aus den 60ern tauchen zehn Jahre später extrem überdimensioniert (die Brille in #61 ist sieben Meter lang!) und als Mischung aus Gemälde und Skulptur wieder auf.

Die Vielfalt der von Wesselmann verwendeten Genres und Techniken ist faszinierend. Gemälde, Skulptur, Collage, Scherenschnitt, Interior Design, fotorealistisch, klassisch, abstrakt, skizziert oder stilisiert, er beherrscht alles. Besonders spannend wird es, wenn ein Werk mehreres vereint. Als Beispiel kann „Still Life #30 (1963)“ dienen. Ein Küchentisch vor einem Fenster mit Aussicht auf New York (gemalt mit Öl-, Acryl- und Lackfarbe) mit typischen Lebensmitteln der 60er Jahre (Collage aus Anzeigenmotiven), eine (echte) Kühlschranktür, Plastik-Repliken von 7-up-Flaschen, das ganze gekrönt von
einem nachgemalten Picasso an der Wand. Was mich zum nächsten Highlight bringt…

Diese übergroßen „Still Lifes“ waren ein Highlight für mich. Ich fühlte mich auf einmal wie Alice im Wunderland. Die plastische Ausführung (jeder Gegenstand war in Form geschnitten und die Formen räumlich versetzt platziert) und die realistische Darstellung mit Schatten und Lichtreflexen taten ihr Übriges.

Picasso war nicht der einzige Künstler, den Tom Wesselmann verehrte und kopierte. Diverse Bilder der „Great American Nude“-Serie beinhalten zum Beispiel nachgestellte Gemälde von van Gogh, Renoir, Matisse und…die Mona Lisa. Matisse scheint dabei eine besondere Rolle gespielt zu haben. Nicht nur, dass Wesselmann dessen Signatur stilecht in seine Nachahmungen einarbeitete, sein Spätwerk (80er bis 2000er) umfasst auch mehr als 100 scherenschnittartige Arbeiten aus Aluminium und Stahl.

Ein Jahr vor seinem Tod malte er zwei Gemälde im Matisse-Stil: „Sunset Nude with Matisse Apples on Pink Tablecloth“ und „Sunset Nude with Wesselmann“.

Pop Art Künstlerinnen waren rar – umso schöner, dass die Ausstellung einige von ihnen zeigt. Am beeindruckendsten fand ich „Skin Crime 3 (Givenchy 318),“ von Sylvie Fleury, das 1997, also lange nach dem Ende der Pop Art-Bewegung entstand. Es handelt sich um ein platt gedrücktes Auto, das mit Nagellack (eben der Nuance, die im Titel genannt wird) bepinselt wurde. Wie lange das wohl gedauert hat?

Außerdem haben mir die „Rhinestones“ (1963) aus Stoff von Jann Haworth und die „Bombs in Love“ (1964) von Kiki Kogelnik gefallen. Von Wesselmanns Nudes ließ sich Mickalene Thomas zu mit Pailletten, Strass und Halbedelsteinen verzierten Porträts schwarzer Frauen inspirieren, die sie extra für die Ausstellung anfertigte.

Wir finden aber auch ikonische Werke von Andy Warhal, Jasper Jones, Roy Lichtensteins und Jeff Koons.

Die für Pop Art typischen grellen Farben trieb Wesselmann mit der Art der Präsentation seiner „Mouths“ und „Smokers“ auf die Spitze. Die knallroten und pinken Münder, in denen die Zigarette wirklich zu glühen scheint, hingen nämlich vor schwarzem Hintergrund und poppten 😉 so erst richtig hervor. Das hatte er genauso intendiert, denn wie einer der Kuratoren im begleitenden Podcast (bekommst du über die App FLV) berichtet, sind auf der Rückseite der Werke genaue Anweisungen für die Hängung notiert.