Die Höhepunkte
der Sammlung

Wir können hier natürlich nicht alle Werke besprechen, zudem sind gerade die neusten, zeitgenössischen Gemälde nicht Rechte frei und können deswegen hier nicht präsentiert werden. Deswegen beschränken wir uns auf einige wenige Gemälde, unterteilt in „Franzosen“ & „Nordische“ Höhepunkte.

Franzosen

Das Aushängeschild der impressionistischen Sammlung ist sicherlich Monet und sein Seerosenteich von 1917. Das Werk gehört zu der Sammlung Herbert Batliner. Der 2019 Verstorbene war ein wichtiger Kunstsammler seiner Zeit und stiftete der Albertina 2007 seine große Sammlung an Werken Monets, Picassos und vieler anderer Künstler. Diese Sammlung bildet nun den wichtigen Grundstock der Albertina.

Das Werk Monets (1840 – 1926), dass parallel zu den großen Seerosenteichen des Musée de l’Orangerie entstand, hat logischerweise andere Maße, aber die gleiche ruhige Hand und eine ähnliche Farbpalette. Sie alle haben seinen Seerosenteich in Giverny zum Vorbild. Den Garten um das Haus legte Monet in seinen letzten 30 Lebensjahren akribisch an – kein Wunder, dass das Motiv auch so oft in seiner Kunst wiederzufinden ist. Das Licht-, das Farb- und Schattenspiel des ihm so wichtigen Seerosenteichs sollte einfangen werden und seine Liebe dazu ausdrücken.

Ein weiteres impressionistisches Genie ist Edgar Degas (1834 – 1917), der mit seinem Werk „Zwei Tänzerinnen“ seiner Linie der Balletttänzerinnen treu bleibt. Eine wundervolle Skulptur einer Tänzerin findest du übrigens im Musée d’Orsay in Paris… Anfangs arbeitete Degas sehr realistisch und selbst als er sich dem Impressionismus hinwendete, behielt er in manchen Aspekten diese realistische Komponente bei: eine exakte Linienführung und eine klare Bildkomposition. Seine Bilder sind gerade wegen der Komposition so spannend: Figuren sind manchmal scheinbar willkürlich beschnitten und es wird manchmal der Fokus auf denkbar sekundäre Elemente gesetzt. Wie etwa das Orchester bei dem Werk „Musiker in der Oper“, dass im Städel Museum Frankfurt zu sehen ist. Auch wenn der Titel das Orchester in den Fokus rückt – es sind nur dunkle Rückenansichten zu sehen.

Paul Cezanne (1839 – 1906), vielleicht der Sonderling der Impressionistischen Szene. Denn wenn sein Jugendfreund, Émile Zola, sich skeptisch über Cézannes menschliche und künstlerische Eigenschaften äußerte , soll das ja schon was heißen: „Paul das Genie eines großen Malers haben mag, aber nie das Genie besitzen wird, tatsächlich einer zu werden. Das kleinste Hindernis bringt ihn zur Verzweiflung.“[Wikipedia, Zola über Cezanne]

Er muss tatsächlich sehr an Selbstzweifeln gelitten haben, den erst in seinen späten Jahren gelangte er erst nach und nach zu Ruhm und Anerkennung. Und erst postum wurde er so richtig akzeptiert und als Vorbild angesehen. So Picasso: „Cézanne! Cézanne war unser aller Vater.“

Mit Paul Signac (1863 – 1935) hat die Albertina auch einen wichtigen Vertreter des Neo-Impressionismus bzw. Pointillismus im Hause. Sein Vorbild war zunächst noch Monet, aber schnell stellte Signac fest, dass das Spontane nicht seine Welt war. Er komponierte seine Bilder komplett durch.

Zusammen mit George Seurat entwickelte er etwas Neues: Sie mischten die Farben nicht mehr auf der Palette, sondern direkt auf dem Bild – sie setzten Punkt bzw. Striche der reinen Farben direkt nebeneinander! Je weiter man wegsteht, desto deutlicher sieht man das Bild. Das Auge des Betrachters mischt somit die Farben…

Ernst Ludwig Kirchner

Kirchner (1880 – 1938) ist eng mit der Künstlergemeinschaft „Die Brücke“ verbunden, er war sogar Mitbegründer, als sie 1905 entstand. Zusammen mit Heckel, Bleyl und Schmidt-Rottluff entwarf er die Grundzüge, später schlossen sich weitere Künstler an: zum Beispiel Nolde. Das war eine wichtige Zeit für Kirchner, denn in dieser Gruppe entwickelte er sich zum Expressionisten! Die wichtigsten Merkmale waren: kontrastreiche und intensive Farbe, eine Vergrobung der Form, wenig Details, ein holzschnittartiger Charakter mit kantigen Formen.

Und auch die Darstellung von Nacktheit war ein wichtiger Teil des Brücke-Konzeptes. Das erste Werk, das wir hier haben ist – Überraschung – ein „Frauenakt (Dodo)“ von 1909. Doris Große (Dodo) aus Dresden war 2 Jahre lange Kirchners liebstes Modell und Geliebte. 1911 zog er dann von Dresden nach Berlin und lernte dort seine neuen Modelle Erna Schilling und ihre Schwester kennen.

Doch 1913 kam es schon zum Bruch mit der Gruppe, da Kirchner seine eigene Rolle zu groß machte. Die gesamte Brücke-Gruppe löste sich sogar auf.

Das nächste Werk von 1914  „Zwei Akte im Raum“ sind wieder Erna und Gerda Schilling zu sehen. Emma war die Vordere und wurde die offizielle Lebensgefährtin von Kirchner.

Nachdem Kirchner und „Die Brücke“ sich getrennt hatten, verliert sich Kirchner in Depressionen und meldet sich 1914 sogar zum Militärdienst. Diesem verlässt er aber rasch wieder, da er einen sowohl physisch als auch psychischen Zusammenbruch erlitt. Ab 1918 ist er deswegen zur Kur in Davos (Schweiz). Dort malte er zum einen die „Kühe bei Sonnenuntergang“. Das Malen der Gebirgslandschaften und Tiere beruhigt ihn.

Doch Kirchner war nicht einfach. Er genoss zwar Ansehen in den Kunstkreisen, aber für ihn wurde er immer noch nicht hinreichend gewürdigt. So erfand er selbst als Pseudonym den Kunstkritiker Louis de Marsalle und veröffentlichte Aufsätze über seine Werke – sehr positive natürlich 😉

Er war zudem sehr misstrauisch und wollte alles vertraglich festhalten. Er konnte auch charmant und gewinnend sein, aber wehe, wer seinen Zorn auf sich zog: Die Verletzungen saßen tief. Deswegen ist sein scheinbarer Selbstmord am Ende nicht überraschend. Scheinbar? Der Fund der Waffe lässt Fragen offen…