Die Mona Lisa
La Joconde

Wenn man diesen Saal betritt und dieses Bild sieht, fragt der eine oder andere sich sicher: Ist der Hype um die Mona Lisa gerechtfertigt?
Warum drängen die Menschen sich ausgerechnet so sehr in diesen Saal? Es gibt doch noch andere, bedeutende Werke des gleichen Künstlers oder anderen Künstlern? Wieso zieht gerade dieses kleine, fast schlichte Gemälde die Menschen so an?

Mona Lisa, 1503-1506 (oder 1502-1503)
​Leonardo da Vinci
77 x 53 cm
Pappelholz

Leonardo da Vinci (1452-1519) hat die Mona Lisa Anfang des 16. Jahrhunderts – der Renaissance – gemalt. Im Italienischen heißt die Mona Lisa La Gioconda (die Heitere), im Französischen La Joconde. Der Name leitet sich vermutlich von der Florentinerin Lisa del Giocondo ab, aber das ist eine der viele Theorien, die sich um die Person der Mona Lisa ranken. Die Deutschen haben sie „Mona Lisa“ genannt. Der Grund ein Schreibfehler: „Monna (Frau) Lisa“ sollte es heißen und nicht „Mona“, im Sinne eines Vornamens…

Eine weitere Theorie zur abgebildeten Dame soll ein homosexueller Hintergrund sein. Leonardo da Vinci soll mit dem weit jüngeren Andrea Salaino Florentine für 20 Jahre zusammengelebt haben und dieser soll das geheime Modell für das Porträt gewesen sein.

Vielleicht macht gerade das die Mona Lisa so einmalig. Man kann die Person nicht zuordnen. Man weiß nicht, wer das Gemälde in Auftrag gegeben hat, oder wen sie darstellen soll. Hinzu kommen noch ein paar Merkmale im Gemälde selbst, die für diese Zeit unüblich waren.

Die Mona Lisa schaut einen direkt an. Egal wie man sich um das Gemälde bewegt, ihre Augen verfolgen eine. Man fühlt sich beobachtet, wahrgenommen, einmalig vielleicht, da einen die Mona Lisa ansieht. Für die Zeit war es sehr ungewöhnlich, dass ein Porträt den Betrachter anblickt.

Weitere ungewöhnliche Merkmale sind die Landschaft, dass sie keine Augenbraue hat und das angedeutete verschmitzte Lächeln.

Ihre Reise

Leonardo da Vinci verkaufte die Mona Lisa kurz vor seinem Tod an Franz I. von Frankreich (1494 – 1547): Das bedeutet, dass es vielleicht keinen Auftraggeber gab. Oder war dieser zwischenzeitlich verstorben. Warum war Leonardo noch im Besitz der Mona Lisa?

Das Werk wurde von da an den Nachfolger weitergegeben, bis es eines Tages in Versailles und bei Ludwig XIV., dem Sonnenkönig, (1638 – 1715) landete.

Nach dem Sturz der Monarchie und nach dem Ende der Französischen Revolution kam das Werk zunächst ins Louvre Museum, ziemlich schnell danach landete es aber im Schlafzimmer Napoleons! Erst nach seiner Verbannung kam sie wieder in den Louvre.

Ihre Reise schien zu Ende zu sein, bis sie 1911 gestohlen wurde! Ein Schreck für die Franzosen und für alle Kunstliebhaber weltweit!
Am Anfang wurde sogar Picasso als Dieb beschuldigt, aber ohne Beweise wieder freigelassen!

Zwei Jahre war die Mona Lisa verschwunden… Bis sie in Florenz wieder auftauchte. Der Dieb, ein italienischer Anstreicher namens Vincenzo Peruggia, wollte sie wieder nach Italien bringen. Lange hatte er das Bild in einem Loch in der Wand versteckt gehalten, ganz in der Nähe des Louvre Museums. Im Dezember 1913 suchte er aber doch einen Kunsthändler auf und er sowie der Direktor der Uffizien konnten das Gemälde als DIE Mona Lisa identifizieren. Der Dieb erhielt eine Freiheitsstrafe von 7 Monaten.
Einige Italiener wollten sie nicht mehr an den Louvre zurückgeben und so tourte sie zunächst durch einige italienische Städte, bis dann doch wieder an den Louvre übergeben wurde… Seitdem diesem Zeitpunkt war die Mona Lisa weltberühmt!

Die Neugestaltung des Saals 711

2019 wurde der Saal, in dem die Mona Lisa zu finden ist, neu gestrichen und neu organisiert.
Das Beige der Wand ist einem dunklen Blau gewichen. So wirkt der Saal zwar dunkler, aber auch edler. Ob die Mona Lisa nun besser zur Geltung kommt oder nicht, ist Geschmacksache.

Was sich aber verbessert hat – und vielleicht nicht jedermanns Verständnis erhält – ist die Einführung von Absperrbändern: Es gibt jetzt eine Wegführung. Vorher stand einfach nur ein „Klumpen“ von Menschen unorganisiert vor der Mona Lisa (siehe alte Aufnahmen). Jetzt gibt es zwei Wege, die die Besucher geordnet zur Mona Lisa führen. Dort kann man dann einen Moment den Blick auf das wohl bekannteste Kunstwerk der Welt werfen und ein Selfie machen (was so viele dort tatsächlich machen).

1 Minute
Die Highlights des Louvre

Kleiner Einblick

Der Louvre hat eine riesige Sammlung und die Highlights sind nicht eben an einer Hand abzuzählen ;).

Deswegen sehen wir das Video auch nicht als vollständig an. Es sind nur ein Bruchteil der Highlights zu sehen…
trotzdem gibt euch das Video einen guten Eindruck, was man so erwarten kann.

Eure Céline

Italiener
Top Gemälde

Giovanni Bellini

Giovanni Bellini (1437-1516) ist ein venezianischer Künstler der Frührenaissance.
Er stammte aus einer Malerfamilie und führte selbst eine große Werkstatt. Es herrschte eine starke Nachfrage an seinen Bildern, so ließ er bereits ausgeklügelte Bildlösungen wie am „Fließband“ von seinen Mitarbeitern erschaffen. Aus ebendieser Werkstatt ging auch der große Tizian hervor!

Das Werk aus dem Louvre zeigt „Madonna mit Kind und hl. Johannes der Täufer, Maria Magdalena ?, Georg, Petrus und einem Stifter“ und ist ein typischer später Bellini. Während seine Anfangswerke eine zeichnerische Härte aufwiesen, werden die Werke später immer weicher und die Farben leuchtender – da nun die Ölfarbe aus den Niederlanden auch in Italien genutzt wurde.

Sandro Botticelli

Sandro Botticelli (Alessandro Filipepi) (1445 – 1510) ist ebenfalls ein bedeutender Maler der Frührenaissance – allerdings aus der Hochburg Florenz. Seine Themen sind meist Andachts- und Altarbilder oder Werke mit Allegorien und griechische Mythen. Aber auch seine Porträts sind sehr bekannt! Gerade das Porträt eines „weiblichen Idealbildnisses“ hat mich lange Zeit an meiner alten Wirkungsstätte, dem Städel Museum, begleitet.

Hier im Louvre ist er mit mehreren Werken vertreten. Darunter eine abgetragen Freske aus der Villa Lemmi, die die drei Grazien zeigt, die einem Mädchen ein Geschenk überreichen. Diese hier zu sehenden weichen, weiblichen Kurven, die Haarpracht und die zarten Farbtöne, sind sofort als Arbeit Botticellis zu erkennen!

Franzosen

Jacques-Louis David: Kaiserkrönung Napoleons (Le Sacre de Napoléon)

Jacques-Louis David (1748 -1825) war der Hofmaler Napoleons und französischer Historienmaler des Klassizismus. Der Barock und Rokoko wurden von diesem Stil abgelöst – weg vom Pomp und den Allegorien der königlichen Darstellung. Jetzt ging es um Patriotismus mit klaren Konturen und weniger Farbgebung. Klare, harmonische Kompositionen sind das Non-Plus-Ultra.

Bei dem Hofmaler Napoleons gilt das aber natürlich nicht immer: gerade dieses Werk zeichnet den Pomp der Monarchie nach – im Mantel des Kaisertums Napoleons! Aber die Farbpalette ist immerhin einheitlich schlicht gehalten… Die Krönung fand übrigens in Notre-Dame statt…

Das Werk hat eine enorme Größe! Wenn man sich das Foto ansieht, scheint es nicht so: aber wenn man im Louvre davor steht, erschlagen einen die 6 x 10 Meter fast!

Eugène Delacroix: Die Freiheit führt das Volk (La Liberté guidant le peuple)

Eugène Delacroix (1798 – 1863) war ein französischer Maler der Spätromantik, gilt aber auch in der Szene als Wegbereiter des Impressionismus, der ab der zweiten Hälfte de 19. Jahrhunderts begann.
Die Spätromantik zeichnet sich durch eine aufwendige, akademische Malweise aus: wichtig war die Maltechnik. Themen waren Landschaften und den Anspruch eine Parallelwelt zu erschaffen, die eine fast metaphysische oder religiöse Erhebung besitzt.

Das Werk „Die Freiheit führt das Volk“ hingegen ist auf der einen Seite sehr real, greifbar und doch auch idealisiert. Der Hintergrund ist die Julirevolution von 1830, als das Volk sich wieder gegen die Monarchie erheben musste. Karl X. wollte den Zustand wie vor der Französischen Revolution von 1789 wiederherstellen: Den Adel wieder stärken und die neue Abgeordnetenkammer entmachten, die Pressezensur wieder einführen, und das Wahlverfahren erneut zu ändern.
Das Volk errichtete daraufhin Barrikaden: mit Matratzen zum Kugelschutz! Die Revolution schuf wohl auch den Ausdruck „Auf-die-Barrikaden-Gehen“.
Das Ergebnis: die Herrschaft der Bourbonen in Frankreich war daraufhin endgültig gestürzt.

Théodore Gericault: Floß der Medusa (Le Radeau de la Méduse)

Théodore Géricault (1791 – 1824) war ein wichtiger Vertreter der Romantik, der aber auch schon Ansätze des Realismus vertrat, denn gegen Ende seines kurzen Lebens schuf er viele Krankenhausszenen und stellte den menschlichen Körper sehr realistisch dar.

Und auch sein berühmtestes Werk „Das Floß der Medusa“ ist sehr realistisch in seiner Darstellung.

Was steckt aber hinter diesem Werk? Es hat erst einmal nichts mit der Medusa aus der griechischen Götterwelt zu tun – nicht direkt zumindest.

Das Werk ist von 1819 und verarbeitet einen Skandal, der sich 1816 zutrug. In diesem Jahr gab es im Zuge der Besetzung der Kolonie Senegal zu einem Schiffbruch bei dem 137 Seeleute zu Tode kamen. Daraufhin wurden der Marineminister und 200 Offiziere entlassen.
Die Fregatte hieß „Méduse“ – daher der Name – und hatte 400 Soldaten an Bord. Das Schiff lief auf Grund und da es zu wenig Rettungsboote gab, befahl der Kapitän, ein Floß zu bauen. Auf 8 x 15 Metern sollten 149 Menschen Platz finden. Die Boote sollten das Floß mit an Land ziehen. Doch die Boote kappten irgendwann die Seile und das Floß trieb antriebslos im Meer. Es kam zu Kannibalismus und am Ende konnten nur noch 10 Menschen gerettet werden… Ein Skandal!

Hyacinthe Rigaud: Ludwig XIV

Hyacinthe Rigaud (1659 – 1743) war der Porträt- und Hofmaler des alten Königtums. Er ist vorrangig wegen seines Porträts des Sonnenkönigs Ludwig XIV. bekannt.

Er hat aber das Who is who der damaligen königlichen Welt vor seiner Palette gehabt. Die französischen Könige, aber auch Philipp V. von Spanien, August II. von Polen, König Friedrich von Dänemark und viele Kurfürsten, Frauen von Herzögen und und und. Er war der Star der Hofmaler!
Durch ihn und seine Liebe fürs Detail und seine Präzision wissen wir viel über die damalige Mode, Frisuren und bei manchen Werken kommen sogar die Charakterzüge der dargestellten Personen sehr gut hervor!
Das ist historisch gesehen, eine wunderbare Quelle!

Nordisch

Lucas Cranach der Ältere

Cranach (1472 – 1553) ist mit mehreren Werken im Louvre vertreten. Er ist vielleicht der bedeutendste Vertreter der deutschen Renaissance! Er war der Haus und Hofmaler vieler adliger und wichtigen Persönlichkeiten Deutschlands. Er porträtierte zum Beispiel nicht nur Martin Luther, den Reformator, sondern auch seiner Tochter Magdalena. Ganz züchtig im hochgeschlossenen Kleid, schaut sie uns an, ihre langen blonden Haare fallen offen über den Rücken und die Schultern.

Daneben fertigte Cranach aber auch viele allegorische Werke an. Diese waren dann nicht immer ganz so züchtig. Beliebtestes Motiv scheinen hier nackte Frauen zu sein. Die „Drei Grazien“ oder „Stehende Venus in einer Landschaft“ zeigen alles – auch wenn die durchsichtigen Schleier in beiden Bildern sicher „gut“ gemeint waren 😉

Übrigens: Cranach hatten eine ganz spezielle Signatur: Eine gekrönte und geflügelte Schlange mit Ring im Maul. Manchmal ist sie aber auch nur eine einfache Schlangenlinie… Wenn ihr bei den drei hier vorgestellten Werken genau hinschaut, könnt ihr sie entdecken!

Rembrandt Harmenszoon van Rijn

Rembrandt (1606 – 1669) gehört zu den wichtigsten Vertretern des niederländischen Barock. Während er in anderen Museen wie dem Rijksmuseum, dem Städel Museum oder der National Gallery in London mit wichtigen Werken vertreten ist, geht er hier im Louvre fast ein wenig unter. Es gibt – klar – viele Werke, aber es gibt nicht dieses „eine Besondere“, wenn ihr versteht, was ich meine.

Die Werke, die mir am meisten hängengeblieben sind diese:

„Selbstporträt mit unbedecktem Kopf“ aus dem Jahr 1633 und „Bathseba im Bad mit dem Brief von König David„.

Jan Breughel I.

Er ist der Älter, der Blumenbreughel. Und er ist hier mit einem wunderbaren Blumen-Werk vertreten, dass er zusammen mit Peter Paul Rubens schuf. Wenn ihr dieses Bild im Louvre Archiv sucht oder auch bei der Google Bildersuche, steht meist nur Rubens als Maler. Im Louvre selbst, in der Hängung, ist das Schild nur auf Breughel ausgestellt. Verwirrend. Auch für mich. Es stellt sich bei längerer Recherche aber heraus, dass beide beteiligt waren.

Jan Vermeer van Delft

Vermeer (1632 – 1675) ist gleich mit 2 grandiosen Werken hier vertreten! Und das bei gerade mal 37 Gesamtwerken. Der Louvre hat hiermit 2 Schmuckstücke in der Sammlung, um die ihn wahrscheinliche viele Museen beneiden. (Das Mauritshuis in Den Haag hat sogar 3).

Zum einen ist das „Der Astronom“ von 1668, der mir aufgrund meiner Ausbildung besonders am Herzen liegt. Denn ich habe ja lange im Städel Museum gearbeitet und da hing das Parallelbild „Der Geograph“. Die beiden einzigen Männer-Darstellungen Vermeers gehören zusammen! Es sind  nicht nur die einzigen Einzeldarstellungen von Männern, die beiden sehen sich auch sehr ähnlich, der Raum könnte auch der gleiche sein (!) und in beiden Gemälden geht es um die Wissenschaft, deren Disziplin und Entwicklung.

Bei beiden Werken sehen wir Gerätschaften, die man zum Ausüben der jeweiligen Wissenschaft benötigt. Bei Astronom sind das der Himmelsglobus, ein aufgeschlagenes Buch, ein Notizblatt und ein Astrolabium: ein scheibenförmiges astronomisches Messinstrument.

Das zweite Werk im Louvre ist „Die Spitzenklöpplerin„. Dieses Werk ist so klein – nur 24 x 21 cm misst es! Zu sehen ist ein Mädchen, das eine aufwendige Frisur trägt und ein nicht ganz so günstiges Kleid trägt, bei der Arbeit. Sie klöppelt einen Spitzenkragen. Rund herum sieht man ihre Arbeitsutensilien: Klöppelnadeln, Seidengarn und rote Fäden. Die Materialien, die Kleidung und die Frisur lassen auf eine Frau aus bürgerlichem Haus schließen – es ist keine Magd.

Wer mehr über den außergewöhnlichen Künstler Vermeer erfahren möchte, der kann hier auf unsere Seite des Rijksmuseum nachschauen.

Hipper Louvre
Beyonce und Jay-Z

Wer jugendliche Kinder hat, die Beyoncé oder Jay-Z mögen oder zumindest kennen, denen kann der Besuch des Louvre mit diesem Parcour schmackhaft gemacht werden.

2018 kamen diese beiden nämlich in den Louvre, um ein Musik-Video aufzunehmen: APESHIT entstand. Und diese Route, die Beyoncé und Jay-Z nahmen, kann man nun heute auch als Besucher nachlaufen. Auf der Seite des Louvre gibt es diese kleine „Schnitzeljagd“. 

Und hier könnt ihr euch den Clip einmal ansehen. Das Lied ist zwar nicht so meins, aber es ist trotzdem schön zu sehen, dass zwei so großen Künstler, die die Jugend ansprechen, ihren Ruhm nutzen, um Kunst zu vermitteln… irgendwie 😉

Und die Tänze vor der Nike haben auch etwas Ansprechendes 😉